An Investigator of Humans and Nature: Hyun-tae Kim, a Maestro of Fiber Art

Eunju Choi (Director of the Daegu Art Museum)

One thing that many stories of all times and places related to spinning thread or weaving cloth have in common is that the work involves infinite patience and waiting. Even if we look at a story that is very familiar to us, that of the Cowherd and the Weaver Girl, we can see that its main plotline is no different. Kyun-Woo, who drives cattle in the west of the Milky Way, and Jik-Nyeo, who on the other hand weaves hemp fabric in the east of the Milky Way, can only meet once a year on July 7th by lunar calendar. The story says that when magpies and crows make a bridge so they can cross the Milky Way, they can free themselves from all the troubles they had over the year and enjoy the time after sunset together. This story, however, carries a hidden meaning. It also tells us how mankind maintains the basic conditions required for survival over generations, how it sets up the ethical framework that must be followed, as well as how the seed of an emotion sprouts to grow and how those feelings evolve. There are three elements of human lifestyle that are essential to the survival of mankind. Of those, Jik-Nyeo represents clothing (衣 in Chinese stands for the front and back cover of a book), which protects the body of people and expresses the identity of the person wearing them. Kyun-Woo represents food (食 is the Chinese character for food) as he drives cattle and cultivates land. The Milky Way is the third element, dwelling (住 in Chinese means ‘to live’ or ‘house’) – the universe is the space in which they and other divine beings live. In a time when materialism had not developed as much as today, it is beyond question that people would reflect on the ethics of stories like this one to overcome the hardships of survival and worries regarding the future.

When I look at the past works of Hyun-tae Kim, who has represented Korea as a Fiber artist for almost 40 years, I can see the vast length of time he has had to endure as a Fiber artist, as well as his efforts that have borne fruit through his artworks. I started this project after having a conversation with an artist who was also a university professor about to retire and wished to express through an exhibition and an art catalogue how his world of art had developed and what kind of outcomes were produced. After plans were made, I began to learn about Hyun-tae Kim and while I did, it was more than just once or twice that I was amazed by this artist. Of course it is just a natural consequence of having worked his whole life without rest, but nevertheless I was shocked for one because of the shockingly vast amount of artwork he had produced. I was also in awe because of his efforts of polishing and perfecting techniques in Fiber art so that, finally, he was crowned a true maestro. On top of his perfect technique, I was moved by his attitude as an investigator, who continued his research on humans and nature by dealing with big themes like nature, history and Characters. I realised that this artist had been upholding a large part of Korean Fiber art when I got to know that he was so tenacious that he had never given up on his experimental nature, which is an inevitable exercise for a contemporary artist.

His contribution towards Korean Fiber art is revealed through his main artworks. Back in 1986, when he was in his first year of postgraduate studies, he independently enhanced the shedding mechanism (a system used to create openings in the vertical warp threads to allow room for the horizontal weft threads to pass through) in order to double the efficiency of tapestry production. Not only did he develop the system and apply it to his own work, but he also passed this on to his students. This innovation was the most key element of his whole work. This is because, having been freed of the temporal and technical restrictions that tapestry production (which is completed through interweaving weft and warp threads) poses, he was reborn as a tapestry artist who was able to express any landscape that he laid his eyes on, any image that existed within his heart, as if he was painting the image. If you look at the <Nature Series〉 artworks that he produced between 1986 and 1991, you can see that he had then already begun to include materials and objects taken from nature (such as 

branches) and everyday life in his work. The experience of overstepping boundaries led Hyun-tae Kim to expand his works to include diverse prints and engravings on silkscreens, copperplates and woodblocks. After 1996, he got his hands on what is another outstanding domain in his art – paper craft – and he continues to work with paper to this day. His efforts led to him receiving the Excellence Award at the Korean Craft Exhibition in 1987, the Gold Prize at the memorial exhibition celebrating the 40th anniversary of diplomatic relations between Korea and Sri Lanka and the Paris Art Collection in 2011, as well as the Grand Prize at the 12th Korean Fine Art Awards in 2001 and the Korean Fine Art Achievement Awards in 2012.

However, such outcomes would not have been possible but for the consistency, artistic value and originality that his art shows. His biggest strength as an artist lies in his ability to discover what maximises the aesthetic sense that is cultivated by Korea’s nature and cultural element and intensify that element through his sense for themes. A couple of years ago, I had said to him, “I feel thrilled when looking at the running mountains and flowing rivers in your artworks.” The Baekdudaegan mountain range and the river that flows between the mountains indeed appear often in his artwork. But they are not only geographical features of the Korean Peninsula. They are also the history of the people that live within. He does not paint using a brush, but weaves the weft and warp threads together to tell lengthy stories about the nature of the Korean Peninsula and the people that live within it. By doing so, he upholds his sense for themes that he uses to gather these stories. The imposing pine trees that appear within the sceneries of the Baekdu Mountain, Halla Mountain, Jiri Mountain and Songi Mountain reflect the ideal state of spirituality that Hyun-tae Kim pursues. The spirit of the evergreen pine trees not only express the Korean Peninsula and the Koreans, but also symbolises Hyun-tae Kim himself, who had never given up on his art, whatever hardships befell him. The themes that sprang from the nature in the Korean Peninsula naturally connected to the <Traces of History〉 series and the <Character Illustrations〉 series. When dealing with these two topics, Hyun-tae Kim expressed the elements of folk art and characters that are particular to Korea in a variety of ways. He maximised the flexibility of the countless styles of Hanja (Chinese) and Hangul (Korean) handwriting by using a particular weaving technique and composition of the picture, as well as a particular combination of colours. He displayed the capabilities of a true maestro when using textile art techniques to express even the texture of drybrush paintings. The artistic achievements of Hyun-tae Kim, who was born in Korea, breathed Korean nature and relentlessly dealt with Korean history and culture, were in this sense unique.

Among his many themes, <Dawn〉 acts as a language that most clearly reveals his artistic spirit. The light that appears at daybreak, dawn, can only be enjoyed by people who are awake at that time. Hyun-tae Kim works with weft and warp threads as an artist who is always awake. When the threads intersect horizontally and vertically, creating points and planes, turning into structures and taking shape, the artist most probably thinks about the sanctity of human existence, the delicacy of the relationships that humans create and the magnificence of nature and the order of the universe they live in. This is the statement that his art makes.

인간과 자연의 탐구자: 섬유예술의 거장 김현태

최은주 (대구미술관 관장)

실을 잣는 일 혹은 천을 짜는 일과 관련된 동서고금의 많은 이야기의 공통점은 그 일이 측량하기 어려운 인내와 기다림을 수반하는 일이라는 것이다. 우리에게 가장 친숙한 견우와 직녀의 전설을 빌려 보더라도, 그 이야기가 들려주는 큰 줄거리는 변함이 없다. 은하수 서쪽에서 소를 모는 견우와 반대로 은하수 동쪽에서 베를 짜는 직녀는 일 년에 단 한번 칠월칠석에만 만날 수 있다. 까치와 까마귀가 은하수를 건널 수 있는 오작교를 만들어주면 견우와 직녀는 일 년 동안의 수고스러움을 던져버리고 해후의 기쁨을 누릴 수 있다는 이야기이다. 이 이야기에는 인류가 세대에 세대를 거쳐 생존을 위한 기본적 조건들을 어떻게 유지하고, 그 안에서 지켜야 윤리적 틀을 세우고, 그러는 중에 어떤 감정의 씨앗을 싹 틔워 그 감정을 어떻게 승화시키는 지에 대한 비의가 숨겨져 있다. 인간의 생존을 위해 필수불가결한 의식주의 요목 중 직녀는 옷을 통해 인간의 신체를 보호해주고 그 옷을 입는 인간의 정체성을 상징하는 의(衣)를, 견우는 소를 몰아 농경을 하는 인간의 식(食)을 의미한다. 은하수는 그들과 같은 신적 존재들이 머무는 우주, 즉 주(住)의 공간이다. 지금과 같이 물질문명이 발달하지 않았던 시기에 인간들은 이런 이야기의 교훈을 되새기며 의식주를 위한 노동의 고통과 미래에 대한 염려를 이겨나갔음에 틀림없다. 

우리나라를 대표하는 섬유예술가 김현태 작가의 40년에 가까운 작업의 역사를 들여다보노라면 그가 섬유예술이라는 영역에서 감내해야 했던 길고 긴 시간의 흐름과 그 시간 속에서 김현태만의 예술로 영글어진 그의 수고가 저절로 느껴진다. 이번 일은 대학교수로서 정년을 앞둔 시점에 자신의 예술세계가 어떻게 전개되어 왔고 또 어떤 성과를 이루었는지를 전시와 도록으로 정리해 보고 싶다는 작가와의 대화에 기인한 것이었다. 그 계획이 세워진 후 김현태라는 예술가를 접하면서 놀라게 되는 경우가 한두 번이 아니었다. 평생을 쉬지 않고 작업해 온 당연한 결과이겠지만 다른 무엇보다도 벅찰 정도로 방대한 작업량에 우선 놀랐다. 그리고 섬유예술의 테크닉을 쉼 없이 연마하고 개선해 기어이 거장의 반열에 오른 그의 노력이 경이로웠다. 그리고 완벽한 테크닉을 기반으로 우리의 자연과 역사, 문자라는 큰 주제들을 설정해 인간과 자연에 대한 연구를 지속하고 있는 김현태의 탐구자로서의 태도에 감동했다. 게다가 현대미술가에게는 숙명적 과제인 실험성을 포기한 적 없는 집념의 소유자라는 것을 알게 되었을 때, 이런 작가가 한국 섬유예술의 큰 줄기를 지켜주고 있다는 사실을 깨닫게 되었다. 

그가 한국 섬유예술계에 어떤 공헌을 해왔는지는 그의 주요 연보를 통해 드러난다. 

1986년 당시 대학원 1년차에 접어들었던 김현태는 타피스트리 제작의 효율성을 배가시키기 위해 경사의 열고 닫는 시스템인 개구장치를 독자적으로 개발하고 자신의 작업에 적용했을 뿐만 아니라 그의 학생들에게도 가르치는 교육을 시작했다. 이러한 혁신은 그의 작업의 총 연대기에 있어서 가장 핵심적인 요소로 작용한다. 씨실과 날실을 일일이 엮어 완성되는 타피스트리의 시간적, 기술적 제약에서 풀려난 김현태는 그가 바

라보는 자연의 어떤 풍경도, 그의 마음속에 존재하는 어떤 심상도 그림을 그리듯 자유롭게 표현할 수 있는 예술가로 거듭날 수 있었기 때문이다. 1986년에서 1991년 사이에 제작된 〈자연시리즈〉 작품을 살펴보면, 이미 그때부터 나뭇가지 등 자연적 소재와 일상의 오브제 등을 작업에 도입했던 것을 알 수 있다. 경계를 뛰어 넘어서는 경험은 김현태로 하여금 자신의 작업을 실크스크린, 동판, 목판의 다양한 판화까지 확장시키는 역할을 하였고 1996년 이후 현재까지 지속되고 있는 그의 작업의 또 하나의 뚜렷한 영역인 종이작업에까지 이르게 하고 있다. 이런 공로로 김현태는 1987년 대한민국공예대전에서 우수상을, 한국 · 스리랑카 수교기념전에서 금상과 2011년 파리아트컬렉션에서 금상을 그리고 2001년 제12회 한국미술상과 2012년에 한국미술공로대상을 수상했다. 

그렇지만 이런 성과들은 그의 예술이 보여주는 일관성, 예술성, 독창성이 없었다면 불가능 했을 것이다. 예술가로서 그의 가장 큰 장점은 한국의 자연과 문화적 요소에서 비롯된 미감을 극대화하는 소재를 발견하고 그것을 그만의 주제의식으로 심화시켜 나가는 데에 있다. 몇 년 전 작가에게 필자는 “선생님 작품에는 달리는 산과 흐르는 강을 보는 장쾌함이 있네요.”라는 이야기를 건넨 적이 있었다. 실제로 그의 작품에 자주 등장하는 백두대간과 그 사이를 흐르는 강물은 그대로 한반도의 지형이면서 그 속에서 살아가는 사람들의 역사이다. 그는 붓을 들어 그림을 그리는 것이 아닌 씨실과 날실의 직조로서 한반도의 자연과 그 자연 속에서 살아가는 사람들의 유장한 이야기를 체화하는 주제의식을 지켜내고 있다. 백두산, 한라산, 지리산, 속리산의 풍경 속에 등장하는 늠름한 소나무는 김현태 작가가 추구하는 이상적인 정신성을 반영한다. 늘 푸르른 소나무의 기상은 한반도와 한국인을 표현하는 동시에 어떤 역경에도 자신의 예술세계를 지켜 온 김현태의 자아를 상징한다. 한반도의 자연에서 비롯된 주제들은 자연스럽게 〈역사의 궤적〉 시리즈와 〈문자회화〉 시리즈로 연결되었다. 이 두 주제에서 김현태는 한국만의 민예적 요소들과 문자들을 다양한 방식으로 다루었다. 김현태는 한자와 한글 서체의 조형성을 특유의 직조기법과 화면 구성, 색채의 조합으로 극대화하였다. 섬유예술 기법으로 갈필의 질감까지를 표현하는 진정한 장인의 역량을 거리낌 없이 발휘하는 것이다. 한국에서 태어나 한국의 자연을 호흡하고 한국의 역사와 문화를 줄기차게 다뤄 온 김현태의 예술적 성취는 이런 의미에서 그만의 고유성을 지닌다.

그의 여러 주제 중 〈여명〉은 그의 작가정신을 가장 또렷이 드러내는 언어로서 작용한다. 새벽 동틀 무렵의 빛, 여명은 그 시간에 깨어 있는 각성된 자만이 누릴 수 있는 빛이다. 김현태는 언제나 깨어 있는 예술가의 정신으로 씨실과 날실을 다룬다. 실이 가로와 세로로 교차하며 점과 면을 만들고 구조와 형상성을 갖추게 될 때, 아마도 작가는 인간이라는 존재의 존엄함과, 인간과 인간이 만들어 내는 관계의 미묘함과, 그들이 살아가는 자연과 우주 질서의 장엄함에 대해 상상하고 사유해 온 것임을 그의 작업들이 웅변해 주고 있다.