(Professor at Hanseo University, Art Historian)
In terms of the history of art, one of the fun things that read out the works of art of the artists is the detection of the flows of the time or the chronological changes. Or, in other words, just by distinguishing the works of art of one artist into a few times by separating them, the special features by each time cannot be explored. It can be said that, if it is an artist who had not worked for such a long time or in the case in which there are not a lot of the works of art, taking a look by adjusting the focus to the deepening of the ability to interpret the topic, the progress of the technique and the technology, the expansion of the interest in the life and the society, etc., is one method.
Although Hyun-tae Kim had been doing the work steadily from the early phase of the 1980’s, it can be said that the activities had begun, in earnest, from the first, individual exhibition in the year 1990. He is an artist whose work capability is vigorous who is already doing the 4th individual exhibition with one time every year afterwards. Despite the fact that, if one is an artist, by opening a place for the organization and the self-examination regarding one’s own work one time a year, finishing one chapter and unfolding one new chapter is too much of a matter of course, if, actually, we take into account the limitation that is possessed by the genre of the tapestry, it can be said that it is a wonderful occurrence. This is the reason why, in order to complete one piece of the tapestry work of art, the time and the effort that must be intensively invested by the artist are long and hard.
As the calligraphy woven with the weft threads and the warp threads, his works of art had crossed the warps and the wefts instead of the brush, and they had replaced the contrasts between the colors with the dyed threads instead of the ink stick. In the works at the beginning, he had expressed the elegant style of the handwriting of Wang Xizhi with the well-ordered organization and the intense color contrast between the red and the green. In the meantime, at around this time, the epigraphs that were engraved on the surfaces of the tombstones or the metals had been abrased and waned by the weathering over a long time, and, regarding the indistinct shapes of which the original, letter forms cannot be recognized, by mixing the red, the navy, and the compound colors, while relaxing the tension of the colors, the depth and the years of the experience have been added to the works.
Called “Seohwadongwon” (paintings and calligraphic works mobilization), in the Orient, from an early time, it had been seen that the origins of the paintings and the characters had coincided. At the base of such a thought, it had been desired to contain the implicative meaning contents that the characters possess without the art, including the paintings, being simply limited to the dexterity. And, eventually, it is not unrelated with the high respect for the people who are extraordinary with the poems, writings, and paintings. Of course, his works have been expressing by reinterpreting and organizing the things like the aestheticality of the handwriting or, in other words, the abstractness, the spacio-temporality, etc. of the calligraphy, rather than the high-level mentality of the ancient people, through the modern, formative grammar.
Especially, at the exhibition this time, except for the consistent subject matter of the handwriting, the new productions had been attempted in terms of the many aspects. First, the point that the introduction of the hangeul (Korean writing) fonts into the Chinese character fonts had been attempted cannot be overlooked. Until now, to the extent that there had been the doubt that there could have been the obsession regarding the Chinese characters, the Chinese character fonts had been used just the way they had been. However, while becoming free from the Chinese characters, the vigor had overflowed on the screen. Getting out of the entangling restriction had been the same with regard to the expressions of he colors, too. By boldly introducing the contrasts between the pure, primary colors, which are prohibited in the fiber work, and, by breaking the complementary color contrasts, which had been recognized like his trademark, it is so with the handling with the colors in the two to three phases, the chroma contrasts instead of the complementary colors, and the introduction of the sparkling effects of the gold and silver threads.
The point that the screen with the left-and-right, symmetrical and strong organization is preferred is still the same. However, we can know that, by going one step from the external expression, which emphasized the wild movements of the handwriting before, as can be seen from the topic of ‘the contrast-the trajectory of the history, there had been the worrying in order to materialize an internal world.
In this way, regarding the working tendency of Hyun-tae Kim, which had been seen in the exhibition this time, except for the subject matter of the handwriting, which had been pursued in the works until now, and the symmetrical organization, overall, the capability that had been developed by one phase, which breaks the fixed idea earlier, had been displayed. In order to break the preexisting images, the sparkles of the gold and silver threads were added to the acryl threads and the wools, which had been used until now. And, with regard to the formative aspects, like the font, the color, and the organization, the exception was opted for. However, regarding what appearance ‘the internal formative world’, which he had intended to express, had, it is not specific. And, in addition, it is ambiguous as to whether or not the ‘trajectory of the history’, which he had selected as the topic, is personal or social. But, taking into account the working attitude of not knowing how to be exhausted and the enormous amount of the work, the unfolding of the works of art in the future catches the attention.
서체의 심미성을 현대적으로 형상화한 김현태 타피스트리전
장경희 (한서대학교 교수, 미술사가)
미술사적으로 작가의 작품을 읽어내는 재미 중의 하나는 시대의 흐름 또 는 연대기적인 변천을 감지하는 것이다. 즉 한 작가의 작업들을 일별하여 몇 시기로 구분하고는 각 시기별 특징을 탐색할 수 있다. 만약 그리 오래 작업을 하지 않은 작가 이거나 작품이 많지 않은 경우라 할지라도 주제 해석력의 심화, 기법, 기술의 진보, 인생에 대한 혹은 사회에 대한 관심의 확장 등 에 촛점을 맞춰 살펴보는 것도 하나의 방법이 된다고 하겠다.
김현태는 ’80년대 초반부터 꾸준히 작업을 하였으나 본격적인 활동은 ’90년 첫번째 개인전에서 비롯된다고 하겠다. 이후 매년 한 차례씩 벌써 4번째의 개인전을 하는 작업역량이 왕성한 작가다. 작가라면 1년에 한번씩 자기의 작업에 대한 정리와 반성의 자리를 열어 한 장을 마감하고 새로운 한 장을 펴는 것이 너무도 당연한 일임에도 불구하고 실지로 타피스트리라는 장르가 지닌 제한성을 감안해 본다면 그것은 어쩌만 경이적 인 일이라 할 수 있다. 타피스트리 작품 한 점을 완성시키기 위해 작가가 집중적으로 투자해야 하는 시간과 노력이 길고 힘든 까닭이다.
그의 작업은 씨실과 날실로 짠 서예로서, 붓 대신 경위사를 교차시켰고 먹 대신 염색 실로 색의 대비를 대치했다. 초기의 작업에서 그는 왕희지 서체의 단아한 필법을 정돈 된 구성과 적록(赤綠)의 강렬한 색상대비로 표현을 했었다. 그런데 이즈음에는 비석이나 금속의 표면에 새겨졌던 금석문들이 오랜 세월의 풍화에 의해 마모되고 어지러져 원래의 글자체를 인지할 수 없는 불분명한 형체들을 적남(赤藍)과 간색(間色)을 혼용 하여 색채의 긴장을 이완시키면서 작업에 깊이와 연륜을 보태고 있다.
서화동원(書畫同源)이라 하여 동양에서는 일찍부터 회화와 문자의 기원이 일치한다고 보았다. 그러한 생각의 기저에는 그림을 비롯한 미술이 단순히 손재주로 한정되지 않고 문자가 지닌 함축적인 의미내용까지 내포되길 원했으며 결국 시서화에 뛰어 난 사람을 높이 숭상했던 것과도 무관하지 않다. 물론 그의 작업은 옛사람들의 고도한 정신성보다는 서체의 심미성, 곧 서예의 추상성이나 시공간성 등과 같은 것을 현대적인 조형어법으로 재해석하고 구성하여 표출해 내고 있다.
특히나 이번 전시에서는 서체라는 일관된 소재를 제외하고는 여러 면에서 새로운 연출이 시도되었다. 우선 한자서체에서 한글서체의 도입이 시도된 점을 간과할 수 없다. 그간 한자의 문자성에 집착하는 게 아닌가 할 만큼 한자서체를 그대로 사용했었으나 한자에서 자유로워지면서 화면에 생기가 넘치게 되었다. 얽매인 제약을 벗어난 것은 색채의 표현 에서도 마찬가지다. 섬유작업에서 금기시 하는 순수한 원색의 대비를 과감하게 도입하여 그의 트레이드마크처럼 인식되던 보색대비를 깨면서 두세 단계의 색으로 처리 하거나 보색 대신 채도대비나 금은사의 반짝이는 효과를 도입한 것도 그렇다.
좌우대칭적인 단단한 구성의 화면을 선호하는 점은 여전하다. 그러나 이전에 서체의 분방한 움직임을 강조한 외형적인 표현에서 한 걸음 나아가 ‘대비-역사의 궤적’이 라는 주제에서 보이듯 내면적인 세계를 구현하려고 고심하고 있음을 알 수 있다.
이와 같이 이번 전시에서 보여진 김현태의 작업경향은 여지껏의 작업에서 추구하던 서체라는 소재와 대칭적인 구성을 제외하고는 전체적으로 앞서의 고정관념을 깨는 한 단계 발전된 역량을 과시하였다. 기존 이미지를 깨기 위해 그동안 사용하던 아크릴사, 모사에 금은사의 반짝임을 추가하고, 서체 · 색채 · 구성과 같은 조형적인 면 에서 파격을 택했다. 그러나 그가 표현하고 자 한 ‘내면적인 조형세계’가 어떤 모습인 지는 구체적이지 않으며 아울러 주제로 택한 ‘역사의 궤적’이 개인적인지 사회적인지도 모호하다. 하지만 지칠 줄 모르는 작업의 태도와 엄청난 작업량으로 미루어 보아 앞으로의 작품전개가 주목된다.
Kim Hyuntae 