Kim Hyuntae

Yong-sook Park (Art Critique)

1,

There was a time when artists were heroes. It refers to the painters who worked on matters not supposed to draw. These heroes were instrumental to make art history exciting. If so, what are the matters that were not to be painted? Anthropology refers them as taboo. Paints in early medieval time of Europe were not to be drawn any flower or plant while painting on the garden of temple. Flowers and plants had the concept of good and evil that they had to obtain approval of the Vatican. Because of this, if any painter broke this unwritten rule, the painter would be sentenced as a sinner in religious trial without exception. But as soon as the news was going around, the painter became the hero of the time and his work would be recorded as a master work in art history. What would happen if Hyun-tae Kim lived in such an era? Would he challenge against the taboo? Or perhaps he would walk on easier path. These are all useless thoughts. There is no taboo to people living in contemporary time. There is no existence of taboo that a painter wishes to pick up even a trash to place it in a work. How desperate and emptiness filled time for these painters. During the 5th century, a painter of China, Gu Kaizhi, was called by the Emperor and painted on Empress. It is well known story that, as he was about to finish up the portrait of the Empress, he accidently dropped his brush on the belly of the Empress. And it had to draw a dot on the belly button of the Empress. What was the reaction of the king? Was he making a broad grin and praised the skill of the painter, saying that the painter was really a man with the taste (event)? Not a chance. The king was enraged and shouted to place the unruly man in jail and kill him. It was inevitable story. The painter offered his apology to save his life, but the painter was placed in exile to the far barren land. It really is a funny story for us of today. No painter will be under the scandal even if he draws anything worse than the belly button. Many will go even further to draw ‘nude’ with great acceptance. There is no taboo. If there is no taboo, how could it be different from a boxer in the ring without an opponent? A painter of today is like the rower who is on a boat in wide open sea on the boat. It has to be the same as the painter Hyun-tae Kim to encounter today.

In the 17th century, there was a painter named Heuksai in Japan. Before he was a painter, he was an eccentric man. One day, he was called upon by a lord to draw a painting he did not want to draw. Since he felt that any act of succumbing to power (money) was not art but disgrace that he ordered two jars and one chicken. On the jar, he mixed red color and blue color. Then he poured the blue color on the paper and mixed the red color on the feet of the chicken and put it on the paper. The chicken quickly ran away but it left the blue maple leaves over the paper. For a painter, it was a painting of deep thinking. But, how could the lord understand this act? He felt this painting work as disgrace to him that he placed the painter in jail. Zen is the non-linguistic expression of language as we know as object aesthetics. Heuksai made the legend of taboo of his own through the object to become a hero. Our era of the day has the object no longer the taboo. No matter how eccentric the object is presented, there is no one who handled any special comment for such object. The situation to defend the works of Hyun-tae Kim is not much different from such situation. The story of taboo is shown to Marc Chagall. He is a painter who became a hero by painting no-gravity. It is well known story that he sent flowers on the air, made a couple of lovers flying around to break the law of gravity in classic physics to be the Einstein. However, the imperial Russia for realism art did not accept it and exiled him to overseas. By this exile, Chagall has become the hero of taboo. He did not begin the art of game to disintegrate taboo, but to open the game to make taboo by him. If the work to make taboo and disintegrate taboo is referred to as modernism, the works of Hyun-tae Kim would have to be understood in this context in overall sense. Professor Kim Jung-ran of Sangji University wrote on the tapestry works of Hyun-tae Kim as follows. Hyun-tae Kim started his works from the burning desire to integrate nature that art chased away on to the art works through (Labor of Hands) and it was possible only by his accurate understanding of anti-modern art. In fact, within the elaborated art of modernism, media have started from nature so far away and art has neglected lives so far away as well. (Introductory writing in his personal exhibition of 2001)

2,

In our critiques, it is very rare to find any critique that uses the modernism text like Professor Kim Jung-ran. The modernism is said to have collapsed, but in our case, young painters have to bring along this context inevitably to evaluate such works. If any mentioning on an artist is made without context, and this would be the anarchism of critique for it is all things for all men. No matter what shape it takes, the taboo game has to be existed. For a painter, and for meeting with Hyun-tae Kim, it is inevitable to use the modernism context. The works of Hyun-tae Kim that were begun at the end of 1980s would be the breaking away from (Canvas) as well as showing the experiment of anti-canvas for its own. His introduction of tapestry, not canvas is the basis for its saying. As well known, the tapestry is the textile fiber obtained from the process of the textile industry. It is not the expression behavior of conventional painting but is the concept of manual work through the weaver. However, Hyun-tae Kim has naturally re

alized anti-canvas by introducing the foregoing point in painting. His anti-canvas makes the textile weaved to be the canvas while the color thread is combined in the weaving process to main the painting image. Combination of the color thread makes taboo that modernism intended to make and it crushes again. If brushing of taboo is changed into disintegration or nirvana, the abstract image that he made would be the enthusiastic but re-run of the old popular song as found in the young artists of our time. He titles his work as (Contrast 一 Font). (Writing style), or (Contract – Orbit of History). Perhaps it would be an encryption of artist’s own why this type of abstract image is combined with the font and connected to the concept in history. According to the statement of artist, the font means the fonts inscribed in ancient stone carving or Shiguwen and he is said to formulate the images of our sculpture works that have been disappeared in our memory by bringing the tapestry. (The Image of Our Sculpture that Has Been Disappeared) indicates that his hope is the ‘beauty of our own’. This is the manifestation that deserves the high praise. Looking into the image of fonts shown in the art works, it is shown in the works to build up high tension by mobilizing the ink line, ink point, or red lines and spots. As I see it, no matter how the artist thinks, the painting property of his tapestry is considered as relevant to the contingent subject. This contingency is the unfamiliarity and the production of this unfamiliarity has material effect in destroying the customs in name of reasonableness. It was true at least in the living emotion of Europeans and this was the reason that the avant-garde art that they were so captivated after the 1960s. If so, is the experiment of contingency and unfamiliarity still effective to us? Repeated production of contingency and unfamiliarity has been cliche and no more effective, let alone the context of the art history. This is not contingency or unfamiliarity any more. This is the reason that the avant-garde art was collapsed in Europe. And it is fortunate that it has turned around the situation in 2000s of Hyun-tae Kim.

3,

Sometime ago, Merleau-Ponty argued that 〈I think) has to be read as 〈I perceive). That is the way to make the origin of truth more special, relative and (humane). It may be difficult to say but it means that the painters of today have seen the justification of challenge in adventure not to intrinsically approach. The reason to take a look at the works of Hyun-tae Kim once again is thinked by such justification. His works announced after 1990s have shown that he has the physical images insight with his perception ahead of his thoughts. Emergence of Korean paper is indicative of it. By combining or cooperating with the properties of the tapestry as well as the Korean paper, he has challenged to the scandal of the unfamiliarity of taboo. The artist says that the Korean paper was introduced to formulate the nature image but his Korean paper was not just used for painting paper but to convert the Korean paper into an object as perfect as it gets. The artist uses hands to pound, dry, take part to maneuver on the wooden plate, gypsum board, or bronze plate or iso pink to corrode and mobile the computer to maximize the properties of the Korean paper. This is another way of anti-canvas that he discovered and he makes the own formation with this work. The outcome may be shown through the eyes of audiences. What is important is that it is the fact to undertake adventure into the unknown world by breaking away the existing equipment or customs of data. His hard works demand the attention with his (Daybreak) or (Jakin and Boaz) series. These works are in the same vein with the shaped canvas works that the artists of 1960s attempted. Painting is a great taboo game to break the customs in having properties pouring into the picture frame. Those avant garde works of 1960s presented the canvas itself as the image as they discarded the picture frame. Whether it is called as contingency or object, what is important is the freedom from taboo. Hyun-tae Kim’s use of tapestry, silk, and Korean paper would be considered as the same context. According to Professor Oh Se-kwon, (Jakin and Boaz) of Hyun-tae Kim has the theme in the world of religious faith. ‘Jakin’ or ‘Boaz’ was construed as the symbolic implication of hymn to absolute power and the artist used the tapestry works and Korean paper facilitating work to express the religious themes. For this work, the artist has facilitated the video record to capture the momentary time and used the Korean paper for its perpetuality. With reference to the statement of Professor Oh, the works of Hyun-tae Kim is shown the combination of images through the reasons in addition to the image through pure perception. The two column images shown in (Jakin and Boaz) are the byproducts of the thinking. This trend is even more conspicuously in the recent works of the artist. Perceptual matter and thinking created in this sophisticated fusion work as hybrid in technology has shown its full strength in <Sipjangsaeng>, 〈Daybreak-Love>, 〈Daybreak-Baekdusan>. Combination of unique sense of feeling in textile on behalf of the canvas and the sophisticated property image added thereof would be said as the realization of aesthetics of anti-canvas as defined by Clemente Greenberg in early days as ‘no more curtailment in painting’. In fact, the black color and red color in mono-tone shown in 〈Daylight〉demonstrate how our formativeness of his words has shown in color lyricism painting. It is expected to see the true color of the Hyun-tae Kim painting.

– Commemorative Exhibition of the 6th Korea Art Achievement Award –

김현태(金玄太)화론 / 금기(Taboo)가 없는 시대의 화가들 – 金玄太의 최근작업을 보면서

박용숙 (미술평론가)

1,

화가가 영웅이었던 시절이 있었다. 그려서는 안 되는 것을 그린 화가를 일컫는 것이다. 그들 영웅들이 존재함으로써 미술사는 박진감 있게 엮어져 왔다. 그렇다면 그려서는 안 되는 것이란 무엇인가. 인류학은 이를 터부(taboo)라고 한다. 유럽의 중세초의 화가들은 신전의 뜰(庭園)을 그리면서 아무 꽃이나 풀을 그려서는 안 되었다. 꽃과 풀에도 선악의 개념이 있었음으로 교황청의 승인을 받아야 했다. 이 때문에 화가가 멋대로 이 불문율을 깬다면 그는 어김없이 종교재판으로 죄인으로 낙인이 찍히게 된다. 하지만 바로 그 소식이 알려지는 순간부터 화가는 시대의 영웅이 되고 그의 작품은 미술사의 걸작을 등재하게 된다. 김현태(金玄太)도 그런 시대를 살았다면 어땠을까. 터부에 도전했을까. 아니면 쉬운 길로 갔을까. 부질없는 생각이다. 오늘의 우리에게 터부 같은 건 아예 존재하지 않기 때문이다. 터부가 존재하지 않음으로써 화가는 쓰레기라도 주어서 이를 작품 속에 넣으려한다. 얼마나 허탈하고 허전한 시대의 화가들인가. 5세기 때 중국의 화가 고개지(顧愷之)는 황송하게도 왕의 부름을 받아 왕비를 그리게 되었다. 잘 아는 이야기지만 그는 왕비를 기껏 그려놓고서는 그만 실수로 왕비의 배에다 붓을 떨어뜨렸다. 공교롭게도 붓은 왕비의 배꼽자리에다 점을 찍고 말았다. 이를 보게 된 왕의 반응은 어땠을까. 회심의 미소를 지으며 화가의 솜씨에 찬탄했을까. 화가는 정말 멋(이벤트)을 안다고, 어림없는 소리다. 왕은 노발대발 진노하며 무엄하기 짝이 없는 이 놈을 하옥하고 처단하라고 불호령을 내렸다. 당연할 이야기다. 화가는 머리를 조아려 백배 사죄했지만 결국 화가는 먼 오랑캐 땅으로 추방당하고 만다. 오늘의 우리에게는 정말 웃기는 이야기다. 화가는 배꼽이 아니라 더한 것을 그려도 아무런 스캔들도 일어나지 않는다. 아예 ‘nude’라는 이름의 멍석을 깔아주기도 하지 않는가. 터부는 없다. 터부가 없으면 상대가 없는 링의 권투선수와 무엇이 다르겠는가. 오늘의 화가는 망망 바다에서 보트를 타고 방향 없이 노를 젓는 사공과 다르지 않다. 화가 김현태가 처한 상황도 이와 무관하지 않다고 해야 한다. 17세기에 일본에는 혹사이(北齊)라는 화가가 살고 있었다. 그는 화가이기 이전에 기인(奇人)이었다. 어느 날 그는 성주에게 호출을 받아 내키지 않는 그림을 그려야 했다. 권력(돈)에 굴복하는 행위는 예술이 아니고 치욕이었음으로 그는 두 개의 단지와 닭 한 마리를 주문했다. 단지에는 빨강색과 푸른색 물감을 탔다. 그런 다음 먼저 푸른 물감을 길게 펴놓은 화선지에 부었고 그 위에다 닭의 발에 빨간 물감을 묻혀서 이를 화선지위에다 풀어놓았다. 닭은 재빨리 달아났으나 푸른 물감을 먹은 화선지위에 점점이 떠내려가는 단풍잎을 남겼다. 화가에게는 선화(禪畫)이다. 하지만 어찌 성주가 이 선의 행위를 이해할 수가 있었을까. 그는 이 그림 그리기를 자신에 대한 무례로 보고 화가를 옥에다 가두었다. 선(zen)이란 언어의 비언어화(非言語化)로 우리가 알고 있는 오브제미학이다. 혹사이는 오브제를 통해 스스로 터부의 신화를 만들어 영웅이 되었다. 오늘의 우리시대에는 이미 오브제는 터부가 아니다. 별아 별 기발한 방식으로 오브제를 제시해도 이를 두고 시비하거나 특별한 주를 다는 사람은 없다. 김현태의 작업을 변호해야하는 상황도 이런 상황과 별로 다르지 않다. 터부의 이야기는 마르크 샤갈에게서 나타난다. 그는 무중력을 그려서 일약 영웅이 된 화가이다. 잘 아는 이야기지만 그는 공중에다 꽃다발도 띄우고 한 쌍의 연인도 붕붕 날게 만들어 고전물리학의 중력의 법칙을 깨고 아인슈타인이 되었다. 하지만 사실주의미술의 제국 러시아는 이를 용인하지 않고 반동으로 그를 추방했다. 그 추방으로 샤갈은 스스로 터부의 영웅이 되었다. 터부를 해체하는 게임의 미술이 아니라 스스로 터부를 만들어내는 게임의 시작을 연 것이다. 터부를 만들고 터부를 해체하는 작업, 이를 모더니즘이라고 한다면 김현태의 작업도 총체적으로 이런 맥락으로 이해해야 할 것이다. 상지대의 김정란 교수는 김현태의 태피스트리작업에 대해서 이렇게 썼다. 김현태는 〈손의 노동〉을 통해서 예술이 쫓아낸 자연을 예술작업에 통합하려는 열망에서 출발했는데 그것은 그가 탈-근대적 예술의 요청을 정확하게 이해함으로써 가능한 일이다. 사실 모더니즘의 현란한 예술 안에서 매체는 얼마나 자연으로부터 멀어졌으며 예술은 또 얼마나 삶을 소외시켰던가.(2001 년의 개인전서문) 

2,

오늘의 우리 평단에는 김정란 교수처럼 모더니즘텍스트를 사용하는 비평가는 이상할 만치 찾아보기 힘들다. 모더니즘이 몰락했다고 하지만 우리 경우. 젊은 화가들의 작업을 평가하자면 어쩔 수 없이 이 텍스트를 끌어다 붙여야 한다. 아무런 텍스트가 없이 작가를 말한다면 이는 귀에 걸면 귀걸이고 코에 걸면 코걸이가 되는 식으로 평론의 무정부주의로 나가는 것이 된다. 어떤 형식이건 터부게임은 존재해야 한다. 화가로서의 김현태(金玄太)를 만나기 위해서도 모더니즘텍스트를 사용해야 하는 것은 당연하다. 80년대 말부터 시작된 김현태의 작업은 먼저 〈캔버스〉로부터의 이탈이고 동시에 그 나름의 탈-캔버스의 실험을 보여준다고 말해야 한다. 그가 캔버스가 아니라 태피스트리를 도입하게 된 것은 그렇게 말할 수 있는 근거이다. 잘 알려진 대로 태피스트리는 섬유산업의 공정에서 얻는 직조물이다. 손으로 그리는 전통적인 회화의 표현행위가 아니라 수직기

를 통한 수작업의 개념이다. 하지만 김현태는 바로 이점을 회화에 도입하면서 자연스럽게 탈-캔버스를 실현할 수 있게 된다. 그의 탈-캔버스는 직조된 섬유가 캔버스가 되는 동시에 색실이 직조과정에 결합되어 회화적인 이미지를 만들어낸다. 색실의 조합은 모더니즘이 해내려던 터부를 만들고 다시 부수기이다. 터부의 부수기를 해체, 혹은 해탈이라고 말을 바꾸면 그가 만들어낸 추상적인 이미지는 그로서는 의욕적이지만 실상은 우리시대의 젊은 화가들도 그렇듯이 낡은 유행가의 재탕이라고 할 수 있다. 그는 이 작업을 〈대비-서체(對比-書體)〉, 혹은 〈대비-역사의 궤적〉이라고 제목을 단다. 왜 이런 추상적인 이미지가 서체와 결합되고 역사라는 개념과 연결되는 지는 화가 자신만이 알고 있는 암호일 것이다. 작가의 진술에 의하면 서체는 고대의 석각(石刻)이나 석고(石鼓)에 새겨진 문체들을 말하며 그는 이를 태피스트리에 끌어들여 우리의 기억에서 이미 사라져버린 우리다운 조형의 이미지를 형상화했다고 말한다. 〈사라져버린 우리다운 조형의 이미지〉, 그러니까 그의 희망은 ‘우리다움의미’이다. 상찬하고 싶은 발상이 아닐 수 없다. 작품에 나타난 서체의 이미지를 보면 묵선(墨線)과 묵점(墨点), 혹은 붉은 선과 점들을 동원하여 팽팽한 긴장감을 조성하는 작업으로 나타난다. 내가 보기에 작가가 어떻게 생각하던 그의 태피스트리의 회화성은 우연성(偶然性)의 주제와 무관하지 않다고 본다. 우연성은 낯설음이고 이 낯설음의 연출은 분명 이성(理性)이라는 이름의 관습을 파괴하는데 지대한 효과가 있다. 적어도 유럽인의 생활감정에서는 그랬으며 60년대 이후의 전위미술이 이에 열광했던 이유이기도 하다. 그렇다면 아직도 우연성과 낯설음의 이 실험은 우리에게 유효한 것일까. 미술사의 맥락은 젖혀놓고서라도 우연성과 낯설음의 반복적인 연출은 식상하고 약발도 더 이상 먹히지 않는다. 그것은 더 이상 우연이나 낯설음이 아니다. 전위미술이 구미에서 몰락한 이유도 바로 이것이다. 김현태의 2000년대에서 국면전환을 보게 되는 것은 다행스런 일이다.

3,

언젠가 메를로 뽕띠는 〈나는 생각한다〉를 〈나는 지각한다〉로 고쳐 읽어야 한다고 주장한바 있다. 그래야 진리의 기원이 특수하고 상대적이고 〈인간 적〉이 될 수 있다는 것이다. 어려운 말이지만 이 말에서 오늘의 화가가 본질적으로 접근하지 못하는 것에 도전하는 모험의 명분을 보게 된다. 이 지점에 김현태의 작업을 다시 눈여겨보게 되는 것은 이런 명분이 있기 때문이다. 90년도 이후에 발표한 그의 작업은 대체로 생각이 앞서는 작업이 아니라 전적이라고 해도 과언이 아닐 만큼 그는 지각으로 물상을 통찰하고 있음을 보여준다. 우선 한지(韓紙)의 등장이 그렇다. 한지는 물론 태피스트리의 물성과 결합내지는 협업하면서 터부의 낯설음의 스캔들에 도선한다. 작가는 자연의 이미지를 조형화하기 위해 한지를 도입했다고 하지만 그의 한지는 단순히 화선지로 쓰이는 것이 아니라 완벽하리만치 한지를 물체로 전환한다. 작가의 손에서 두드려지고 말리고 떠내어 이를 목판이나 석고판, 혹은 동판이나 아이소핑크를 조작하는 방법으로 부식시키고 여기에 컴퓨터를 동원하여 한지의 물성(物性)을 극대화한다. 이것이 그가 발견한 탈-캔버스의 또 다른 방법으로 그는 이런 작업으로 우리다운 조형을 만들어낸다고 한다. 그 성과는 보아주는 관중의 눈을 통해 나타날 것이다. 중요한 것은 그가 부단히 기성장비나 자료의 관행을 부수고 미지의 세계로 모험을 한다는 사실이다. 그의 수고스런 결과물은 〈여명〉이나 〈야긴과 보아스시리즈〉로 주목을 끈다. 이들 작품은 60년대의 화가들이 시도했던 꼴 캔버스(shaped canvas)작업과 맥을 같이한다. 회화는 액자라는 틀 안에다 물상을 담는다는 관행을 깨는 것은 대단한 터부게임이다. 60년대의 전위작업들은 이를 위해 액자를 버리고 캔버스 그 자체를 이미지로 제시했다. 그것을 우연성이라고 하던 오브제라고 하던 중요한 것은 터부로부터의 해방이다. 김현태의 태피스트리, 한지의 원용도 같은 맥락의 작업이라고 할 수 있을 것이다. 오세권 교수에 의하면 김현태의 〈야긴과 보아스〉는 종교적 믿음의 세계를 주제로 했다고 말한다.‘야긴’이나 ‘보아스’가 절대자에 대한 찬송의 상징적인 의미라고 해석하고 작가는 이 종교적인 주제를 표현하기 위해 내공이 싸인 태피스트리작품과 한지를 이용하여 작업했다고 말하고 있다. 이 작업을 위해서 작가가 영상기록을 활용하여 찰라적 순간성을 포착하고 그 영원성을 위해 한지를 이용했다는 말도 곁들였다. 오교수의 진술을 참고하면 김현태의 작업에는 순수한 지각을 통한 이미지 말고도 사유(思惟)를 통한 이미지의 결합이 시도되고 있음을 알게 된다. 〈야긴과 보아스〉에 나타나는 두 개의 기둥이미지가 사유의 산물인 셈이다. 이런 경향은 이 작가의 최근작에 두드러지게 나타난다. 지각적인 것과 사유가 기술적으로 상호 융합하여 만들어내는 미묘한 퓨전작업은 〈십장생〉, 〈여명-사랑〉, 〈여명-백두산〉에서 유감없이 발휘된다. 캔버스를 대신하는 섬유의 독특한 감촉과 거기에 부가되는 세련된 물상이미지의 결합은 일찍이 클레멘트 그린버그가‘회화에 있어서 더 이상 감축할 수 없는 것’이라고 정의한 탈-캔버스의 미학의 구현이라고 해도 좋을 것이다. 실제로 〈여명〉에 나타나는 검은 색과 붉은 색의 모노톤은 그가 말하는 우리다운 조형성이 어떻게 색채서정주의회화로 재현되는지를 보여준다. 김현태 회화의 본색이 이제부터 드러난다고 기대해 본다.

– 제 6회 한국미술공로대상 수상기념전 –